八月藝術合集｜探索聲響脈動、跨界劇場與經典重構的沉浸體驗

• 藝術裝置｜《珍妮特・卡迪夫：四十聲部經文歌》
• 藝術裝置｜《織時大叫！》環保編織空間

• 跨媒體藝術｜HKAA 獲獎藝術作品巡迴展覽跨媒體藝術

• 跨媒體藝術｜《成為她》

• 跨媒體藝術｜《燼餘》

• 跨媒體藝術｜《遊樂場》多媒體音樂劇場

• 藝術展演｜《代父重婚》— 中英劇團

• 藝術展演｜《我愛桃花》87紅樓夢演員版

• 藝術展演｜《人偶》《威嚟蝦商人》香港話劇團少年團

• 藝術展演｜《愛情靈藥》
• 展覽｜《多明哥・米萊拉：閾境空間》
• 展覽｜《自然，抽象而成》

• 展覽｜《大竹茂夫：阿哥拉之愛》

• 展覽｜《中聯電影的藝術與寫實主義之旅》— 香港電影資料館

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《珍妮特・卡迪夫：四十聲部經文歌》（2001）是 21 世紀最具代表性的聲音裝置藝術之一。加拿大藝術家珍妮特・卡迪夫開創性地將十六世紀作曲家托馬斯．塔利斯（Thomas Tallis）的複音合唱巨作《Spem in Alium》（寄願於主而無他）進行科技解構，她親自為索爾茲伯里大教堂唱詩班的 40 位成員各自錄製獨立聲部，並在展廳中將 40 個高保真揚聲器排列成一個巨型橢圓形。

這件作品透過科技解構經典，在世界各地激發了超乎想像的情感震盪，讓觀眾彷彿置身於現場般沉浸在歌曲之中。

圖片來源：The Museum of Modern Art, New York 2025

攝影：Thomas Griesel

展覽廳內，觀眾可以自由遊走於揚聲器之間，每個揚聲器播放不同的聲部，聽見的是某位男低音的換氣與呢喃。退到中心，隨聲音在各個揚聲器間流動，迎來的是排山倒海的聖歌合奏，最終匯聚成完整的合唱，形成一個具備動態物理軌跡的立體聲場。每一個揚聲器代表一位真實存在的歌者，當聲音在空間中流動，40 個聲部時而各自分離、時而交織共鳴。讓觀眾不再是只在台下遠距離聆聽，而是可以直接走進「合唱團的中心」，聽見個別歌者的氣息，感受聲音如浪潮般在耳邊交織。卡迪夫透過這種編排，想要顛覆傳統音樂會中「台下觀眾被動接受混音」的單一視角，她創造的是一個虛實交錯的空間。

「我希望藉着這件作品，令觀眾能從歌唱者的角度體驗音樂。我很有興趣探討聲音如何以雕塑般的方式具體地構建空間。」 —— 珍妮特．卡迪夫（Janet Cardiff）

《四十聲部經文歌》是二十一世紀備受讚譽的聲音藝術作品，由紐約現代藝術博物館（MoMA）借展。作為 M+ 與 MoMA 簽署合作意向書後的首個重磅聯乘項目，這件殿堂級作品今夏正式登陸西九，邀請你用耳朵，重新定義空間。

日期：2026年8月15日起

地點：M+ B2層展演空間

在追求極速與高頻輸出的當代社會中，我們習慣了快速消費圖像與資訊，甚至連逛展覽都變成一種快閃式的打卡過程。來自澳洲墨爾本的協作型藝術團體 Slow Art Collective（由 Chaco Kato 與 Dylan Martorell 於 2009 年創辦），則選擇以「慢速藝術」（Slow Art）為核心抵抗這種浮躁。藝術家將物理材質轉化為感官介面，鼓勵人們暫時放下手機與鏡頭，重新用雙手的觸覺去感知物件與空間的動態關係。目前正於香港荃灣南豐紗廠 CHAT六廠上演的夏季群展《織時大叫！》中，觀者不再只是被動的看客，而是被邀請親身參與打結、編辮子與集體編織的創作環節。

圖片來源：Slow Art Collective

攝影：Tobias Titz

圖片來源：Slow Art Collective

攝影：Tobias Titz

Slow Art Collective 的作品永遠處於「未完成」的動態過程。藝術家利用竹子、回收二手布料以及環保紗線，搭建出具備靈活擴展性的大型模組化結構。當觀眾步入展場，傳統美術館「切勿觸摸」的嚴肅禁令被徹底解構，取而代之的是竹材的天然彈性與二手織物的溫熱質感。觀者不再只是被動的觀賞者，而是被邀請親身參與打結、編辮子與集體編織的創作環節，更可以盡情觸摸、嬉戲、發出聲響。當無數陌生人的手在同一座竹編結構上交錯，每一條經緯線的穿梭都代表著一次微小的社群對話。藝術家與觀眾之間的界線在此刻徹底模糊，展覽空間演變成一個由大眾共同賦予生命力的有機共生體。

日期：即日起至2026年10月25日
時間：上午11時至晚上7時（逢星期二休館）

地點：南豐紗廠 CHAT六廠
入場：免費參觀

由香港國際青少年藝術與科學聯合會主辦的「香港國際青少年繪畫大賽（Hong Kong International Youth Art Award / HKAA）」是一項具指標性的年度國際性藝術賽事，希望在當今這個由科技與 AI 主導的時代，為下一代保留審美教育的沃土，並打破學科界限以培養未來的跨界人才。

2026香港國際青少年繪畫大賽獲獎作品國際巡迴展覽香港站宣傳圖

比賽的核心理念為 「Art+X：以美學重構萬物」，當代科技發展迅速，AI 可以在幾秒內生成精美畫作，因此藝術教育不應再局限於傳統的單一技法，而是著重培養可以跨領域遷移的「美學思維」。將藝術融入科學、工程、太空探索、永續發展及人工智慧（例如 Art+Engineering 或 Art+Intelligence），引導孩童成為懂美學的工程師或有詩意的科學家。此外，大賽打破了傳統比賽僅在網上公佈結果的限制，直接將獲獎者的實體作品帶到國際核心城市展出。以 2026 年為例，獲獎作品除了首站在香港藝術中心舉辦「香港站」巡展外，後續更會移師至歷史悠久的 意大利米蘭 舉辦「米蘭站」國際展覽，讓少年藝術家的才華真正走上世界舞台。

日期：2026年8月8日至8月9日

時間：早上10時至晚上8時

地點：香港藝術中心四樓及五樓包氏畫廊 (香港灣仔港灣道二號)
入場：免費參觀

於黃竹坑白石畫廊香港呈獻的聯展「成為她」（Becoming Her），匯聚了麗貝卡·貝爾瑙（Rebecca Bernau）、古谷亞月（Azuki Furuya）與安藤靜（Shizuka Ando）三位來自不同背景的藝術家，以繪畫、拼貼與混合媒介，鋪展開一場關於身份形塑的靜謐追問。西蒙娜·德·波伏娃曾在《第二性》中留下一句跨越時代的論斷：「女人不是天生的，而是變成的。」在演算法與數碼化身份充斥日常的當代，這句宣言衍生出了更複雜的語境。我們在網絡空間打造虛擬頭像，在現實世界回應多重的社會角色，究竟「自我」是一個固定的主體，還是一場永不終結的流變狀態？

圖片來源：WHITESTONE官方網頁
https://www.whitestone-gallery.com/

平面設計師出身的德國藝術家麗貝卡・貝爾瑙（Rebecca Bernau），將數碼繪畫的流暢性與傳統古典繪畫的姿態研究巧妙結合。在她手中，數碼工具不再只是複製圖像的設備，而是探索極簡與動態的感官介面。以極具表現力的數碼漸變與畫筆質感，簡化人物的肢體線條，使筆下的人像宛如融入環境的光影。展現出數碼與類比工藝平等對話下的身份圖景，反映出當代人在無縫轉換於實體與虛擬世界時，那種隨時處於轉化中的流動狀態。

日本藝術家古谷亞月（Azuki Furuya）選擇回歸極具物理重量與破壞力的拼貼工藝。她採集人物照片與歷史檔案等紙質素材，在畫布上進行多層次的堆疊，再透過物理性的磨擦與打磨，削去表層以顯露深層的紋理。這種物理性的構築與剝離，將身體轉化為承載記憶的沉積岩層。每一次打磨，都彷彿在揭示那些被壓抑或忽視的內部故事，呼應著女性軀體在歷史與時間長河中所展現的脆弱與堅韌。

同樣是日本藝術家安藤靜（Shizuka Ando），則以天然的日本畫素材——岩石顏料與麻紙，築構出一種身心合一的內省世界。她筆下的人物常帶有模糊或被遮蔽的面容，眼神兼具複眼與客觀視角，拒絕被單一標籤所定義。她的人像充滿了一種不確定的曖昧感，暗示著自我永遠是被建構的、被觀看的，也是不斷被內化的過程，精準地浮現出這個時代獨有的情緒波瀾。

在充滿不確定性的當代生活中，這場展覽無疑為我們提供了一個重新凝視自我、思索身份如何被形塑的沈思空間。

日期：2026年7月11日至8月15日

時間：上午11時至晚上6時（逢星期一休館、星期日只限預約）

地點：黃竹坑 M Place 7 樓白石畫廊
入場：免費參觀

藝術家寧琛頤呈獻的個展《燼餘》，拋開了流於表面的家庭記憶重構，選擇將鏡頭與視角切入親密關係中那些被掩蓋、被壓抑的情緒暗流。面對那些無法以語言精準描述的沉重感受，寧琛頤試圖以當代各種不同的媒介為介面，將內在的情感創傷具象地轉移為實質的生理知覺與物質張力。展覽的空間與視覺調度展現出一種極具戲劇性的對比——外在嚴密齊整、冷靜理性，內裏實則暗潮湧動、晃動抽搐。

展覽《燼餘》宣傳圖

圖片來源：Instagram @yrellag_gallery

寧琛頤對新媒體語境的敏銳掌控，源於其紮實而跨領域的學術背景。她於 2022 年畢業於香港城市大學，獲新媒體文理學士學位，後於香港中文大學獲頒藝術文學碩士。寧氏主要以攝影、動態影像和新媒體為創作媒介，長期進行自我觀察、社區反思與流行文化探索。曾獲 2025 年奧沙藝術獎的她，作品曾先後展出於香港藝術中心包氏畫廊、香港城市大學及海外展覽。在她近期以圖片和錄像為中心的創作中，她不斷追溯並重建那些被遺忘的個人歷史、記憶與情感，並專注於圖像、畫面與身份之間的三角關係，深刻反思三者在數碼時代的內涵與意義。

日期：2026年7月17日至8月6日

時間：中午12時至晚上7時

地點：Yrellag Gallery (中環太子臺13A)
入場：免費參觀

走進《遊樂場》，沒有人會問你能爬多高、跑多快、飛多遠。香港展能藝術會重點項目「藝無疆」於8 月 29 及 30 日在東九文化中心劇場呈獻多媒體音樂劇場《遊樂場》，帶領觀眾感受一場突破界限的沉浸式音樂劇場。來自不同背景與擁有不同能力的表演者揉合音樂、形體與多媒體藝術，並肩共創自由變化、彼此回應的藝術共融現場。每一位存在，都是作品不可或缺的一部分。

圖片來源：由劇場提供

本劇場以「遊樂場」為創作靈感，由新媒體藝術家林欣傑（Keith Lam）擔任藝術總監，他以裝置及影像打造流動舞台空間，將遊樂場轉化成一座大型樂器，讓聲音、身體與影像即時交織互動。香港作曲家及爵士鋼琴家張永諾（Chris Cheung）則出任音樂總監，將融合傳統民謠、地水南音及原創音樂作品，於器樂與電子聲景之間探索胡琴與跨樂種共融的可能，呈現多元而豐富的聲音地景。

創作團隊從歷屆「藝無疆：新晉展能藝術家視覺藝術比賽」9份得獎作品中汲取靈感，擷取其獨特的視覺元素與藝術意象，通過視覺藝術家跟得獎作品進行即時運算，讓本身靜態的作品慢慢生成，甚至演變成另一種動態的狀態。歷屆得獎者豐富而多元的藝術想像，將延伸為舞台上的視覺語言，在光影流轉之間與音樂、舞蹈及形體藝術互相交織，構建層次豐富的觀演體驗。觀眾會在演出中看到作品有一個生命，及其演變和進化。每位演出者都將以獨特的藝術視角和創作語言投入其中，攜手打造一場跨越音樂、舞蹈、影像與形體藝術的感官盛宴，邀請觀眾打開聽覺、視覺與身體感知，在藝術的遊樂場中自由探索與想像。

無須懂得音樂，也無須熟悉舞蹈；只要放開感官，跟隨身體的節奏與直覺，沉浸於演出所構築的聲音、光影與律動之中。

日期：2026年8月29日至30日
地點：東九文化中心劇場（九龍牛頭角道 60 號）

由中英劇團演出、新晉編劇許晉邦編劇、盧智燊執導的原創喜劇《代父重婚》，便以喜劇形式結合「時間悖論」設定，將母子之間的世代隔閡與情感結頭，轉化為一場穿越時空的角色扮演實驗，作品將嚴肅的家庭議題置於喜鬧劇結構中，探討代際理解的可能性。

圖片來源：中英劇團

https://www.chungying.com/

故事圍繞主角成桂賢展開。主角成長於單親家庭，與脾氣暴躁的母親關係惡劣，而父親則在其幼年時缺席。在一場意外中，成桂賢穿越時空附身於青年時代的父親身上，並置身於父母當年的大喜現場。  劇作的核心衝突建立於「代父娶母」的荒謬情境。主角起初試圖以父親的身份介入過去，補足家庭遺憾；然而他在過去的一言一行，卻在時間洪流中引發連鎖效應，導致現實世界的人際關係與歷史軌跡出現不可逆的扭曲。面對洞房花燭夜與自身可能消失的雙重危機，主角被迫在倫理悖論與自我生存之間做出抉擇。

日期：2026年8月21日至23日、25日至29日

地點：香港大會堂劇院

「我要的是巾幘，你卻給了我一把刀。」由鄒靜之編劇的經典話劇《我愛桃花》，以唐代馮燕的古典典故為藍本，探討親密關係中的誤讀與人性本質。

87紅樓夢演員版《我愛桃花》宣傳圖

取材自《太平廣記》中唐代馮燕的古典典故，以一場因意圖錯置引發的命案為核心，將唐代的三角情感糾葛轉化為對人性本質與親密關係的心理實驗。作品採用「劇中劇」與跨時空結構，演員在古典角色與現代演員身份間自由切換。台上反覆推演抽刀之後的多重結局，探討若將佩刀放回原處，關係能否重新開始，以極簡的符號對比，解構人心中的認知偏差與心理博弈。

刀鋒下的殺意，往往並非源於當下的誤會，而是早已潛伏於彼此關係深處的不信任。作品精準地捕捉到人際交流中最脆弱的一環——當語言失效、僅靠意會時，個體的投影往往會將局面推向極端。

日期：2026年8月27至30日

時間：晚上7時30分

地點：西九自由空間大盒

經典劇目的現代改編，往往反映出當代創作者對社會結構與人際關係的重新審視。《人偶》改編自易卜生《玩偶之家》，以後設「劇中劇」實驗探討人際關係中的操控與個體自主；《威嚟蝦商人》則重構莎士比亞《威尼斯商人》，從市井旁觀者視角切入，以本土語言解構古典敘事與群眾心理。兩作品展現青年演員對經典文本的當代轉譯與訓練成果。

《人偶》《威嚟蝦商人》宣傳圖

《人偶》故事設定於一個由「天才」構建的「人偶之家」，主腦召集不同背景的人士參與一場劇場實驗，試圖為原著主角娜拉編寫全新結局。然而，隨著實驗推進，操縱者與被操縱者的邊界逐漸模糊，主導者最終發現自己亦置身於另一重操控之中。少年團演員在光怪陸離的框架中切換角色身份，呈現個體在權力網絡中試圖擺脫被控制命運的過程。

《威嚟蝦商人》則從敘事角度切入，對莎士比亞的《威尼斯商人》進行在地化與邊緣化的重構。作品透過本土廣東話語境，呈現大眾對權貴衝突的旁觀態度。這群市井角色在場邊議論指點、旁觀事態發展卻不直接介入，構成對群眾心理的側寫。演員在台上同時進行閱讀原著與演繹改編劇本的雙重操作，透過旁觀者的喧鬧與冷漠，反映大眾在面對他者危機時的審判心態與社交距離。

日期：2026年8月8至9日

地點：香港話劇團黑盒劇場（上環文娛中心8樓）

義大利作曲家唐尼采蒂（Gaetano Donizetti）於 1832 年創作的美聲喜歌劇《愛情靈藥》（L'elisir d'amore），為西洋歌劇史上具代表性的喜劇經典。本次香港歌劇院製作採用半舞台形式，打破傳統將管弦樂團隱藏於樂池的佈局。指揮家 Olsi Qinami、香港歌劇院樂團及合唱團將與歌唱家同台演出，使音樂執行與戲劇調度在舞台空間內形成直觀的立體平列，提升現場聲音的傳導效率。

《愛情靈藥》宣傳圖

本劇由導演湯新新執導，本次針對《愛情靈藥》這齣圍繞階級差異、假藥騙局與情感心理的經典喜劇，導演預計將延續其對在地文化與當代語境的敏銳觀察，為古典喜劇結構注入具當代共鳴的視角轉譯，演出陣容集結香港歌劇院培育的本地青年歌唱家。兩位男高音將演繹劇中著名詠嘆調《一滴美妙的情淚》（Una furtiva lagrima），呈現主角確認情感後的心理轉向。當樂團在舞台上方一同奏響樂章，歌者的氣息與樂器的共鳴直接交織迎面而來，為觀眾帶來如置身現場的聆聽體驗。

日期：2026年8月14日至15日

地點：香港大會堂音樂廳

以多明哥・米萊拉（Domingo Milella）深入歐洲舊石器時代洞窟所拍攝的大型相機作品為核心，探討人類文明起源、物質符號的存續，以及景觀與個體存在的對應關係。本次展覽的構思建立於空間與影像的共鳴。蘇富比旗艦藝廊地下一層的空間設計取材自自然巨岩內部，既呼應傳統文人石的道家哲理，亦暗指遠古人類居住與創作的洞穴。

圖片來源：香港蘇富比旗艦藝廊官方網頁
https://www.sothebys.com/zh

在全黑且潮濕的封閉地質迷宮中，遠古人類於通道盡頭與岩壁狹縫間留下的痕跡，劃分出已知與未知、有限與無限之間的「閾境空間」。當冷冰冰的大型相機鏡頭對焦於數萬年前的岩壁刻痕，無聲的黑暗彷彿將現代人的時間感重新洗牌。米萊拉以傳統暗箱攝影記錄這些深埋地底的遺跡，將其定義為未來的過去。

展覽同時提出對當代資訊傳遞機制的反思。在每日有大量數碼資訊消失於無形雲端的今天，四萬年前刻於地底岩壁上的圖畫卻經歷地質變遷而得以留存。米萊拉透過大片幅相機的凝結能力，對比數碼時代的虛擬與速度，展現出實體物質在時間洗禮下超越文明興衰的韌性。展覽邀請觀眾透過這些地底影像，思考在極端環境與文明變遷之後，藝術作為訊息載體所具備的最終物質意義。

日期：2026年6月10日至8月20日

地點：香港蘇富比旗艦藝廊（中環干諾道中8號置地遮打地下)

匯聚十二位藝術家的創作，圍繞自然界的內在運行邏輯，探討抽象藝術如何透過形式、材質與結構，呈現存在於自然物理世界中的結構性智慧。

圖片來源：布朗畫廊官方網頁
https://www.benbrownfinearts.com/

展覽策劃以德國藝術家格哈德·里希特（Gerhard Richter）多年創作實踐中的核心觀點為理論切入點：自然本身具備一種內在邏輯，這種邏輯體現在水流的流體力學、樹木分枝的幾何分形，以及地層經年累月堆疊的物理構造中。抽象藝術在其演進過程中，並非僅止於對自然風景進行表象的視覺模仿，而是試圖在畫布與實體空間中，轉譯並體現這種同等運行的自然秩序。

參展的十二位藝術家運用不同的媒介，對自然界的物理現象進行拆解與重構。有別於傳統風景繪畫對地景的客觀描繪，展出作品更關注自然的動態過程——例如力學張力、自然侵蝕、物質沉積與有機生長法則。藝術家將這些無形的自然規律轉化為抽象的線條、色彩層次與視覺結構，為觀眾提供一個從結構層面重新審視自然世界與人造符號之間關係的視角。

日期：2026年7月4日至8月29日

地點：布朗畫廊（香港黃竹坑業發街1號The Factory 201室）

日本神戶藝術家大竹茂夫（Shigeo Otake）於 White Cube Hong Kong 舉辦其香港首次個展《Agoraphilia》。大竹的繪畫實踐長期關注非人生命的社會組織，透過對寄生植物與蟲草形態的獨立研究，建構出兼具超現實色彩與真菌網絡的魔幻視覺場景。展覽標題取自古希臘語「Agora」（公眾集會與市場場域），將市集視為流動、消費以及不同物種與價值體系交會的幾何框架，藉此對超級資本主義城市中的焦慮與消費邏輯展開寓言式的探討。

圖片來源：White Cube Hong Kong方網頁
https://www.whitecube.com/

在本次展出的全新作品集中，藝術家運用了蛋彩畫（Egg tempera）、木板繪畫以及繁複的「Strappo」濕壁畫揭取法。蛋彩畫以蛋黃調和顏料，具備瑩潤的光澤與耐水特性，大竹藉此創造出具備時間沈澱感的赭色調，將當代消費議題拉伸至歷史的厚重維度。

透過將人類、動物、植物與真菌等不同「行動者」置於同一視覺框架內，消解了以人類為中心的世界觀。在真菌網絡的交織下，人類的集結與市集的交易行為，被還原為另一種有機體的生長與共生形式。大竹茂夫以精細的古典繪畫技法為介面，將超市、街道與集會場合重構為微觀生命的互動地帶，為當代觀眾提供了一個審視城市生活、資本流動與異種共生的當代視角。藝術家的深邃筆觸，讓那些穿梭於菌絲與市集間的荒誕生物，成了映照當代人焦慮與孤寂的一面鏡子。

日期：2026年7月10日至8月29日

地點：White Cube Hong Kong（香港中環干諾道中50號）

逢香港電影資料館成立二十五周年，作為「中華文化節2026」的誌慶節目之一，資料館推出「中聯電影的藝術與寫實主義之旅」專題影展。影展聚焦五六十年代香港粵語片代表機構——中聯電影企業有限公司（簡稱「中聯」），展示其在商業市場中堅持藝術良心與寫實主義的創作實踐，並首度呈現資料館近年完成的數碼修復成果。

圖片來源：香港電影資料館方網頁
https://www.filmarchive.gov.hk/tc/web/hkfa/home.html

中聯自 1952 年成立至 1967 年結束，共出品 44 部作品。香港電影資料館繼十周年舉辦中聯專題展後，於二十五周年之際再度呈獻此系列。過去十五年間，資料館透過先進的數碼修復技術，將多部保存狀況脆弱的膠卷進行高清數碼化。本次上映讓當代觀眾得以透過修復後的畫面，重新審視半個世紀前粵語電影在寫實主義、倫理關懷與美學探索上的歷史價值。當修復後的膠卷光影再次投射於銀幕之上，那些關於鄰里守望與人倫美善的聲影，依然在 contemporary 的都市脈絡中迴盪。

日期：2026年8月22日至8月30日

地點：香港電影資料館電影院（西灣河鯉景道50號）